PANTALLA DE SANGRE "EL FOTÓGRAFO DEL PANICO"

 
CINE PARA PASARLO DE MIEDO

"EL FOTÓGRAFO DEL PANICO"

Mark Lewis (Karl Boehm), siempre acompañado de una cámara, se interna en el Soho londinense y contrata los servicios de una prostituta. Mientras la mujer se desviste, la asesina, filmando la expresión de horror de su cara. Posteriormente es contratado para realizar algunas fotos pornográficas. Su vecina, Helen, que comparte su vida con una mujer ciega y alcohólica, le pide que le enseñe algunas de sus películas, y él accede de mala gana a proyectarle filmaciones de su infancia, rodadas por su padre, un psiquiatra. Durante otro de sus trabajos eventuales como ayudante de cámara, Mark asesina a una joven actriz de igual modo que a la prostituta, y al día siguiente filma a la policía en el lugar del crimen.

Conoce a la madre de Helen, que sospecha de él. Tras salir con la chica, se encuentra a su madre esperándole, y le proyecta la filmación de uno de los asesinatos, pero constata que los planos del crimen no han salido bien. Se plantea matar a la madre, pero en lugar de hacerlo se dirige al plató donde trabaja habitualmente y asesina a una modelo. Con la policía siguiéndole de cerca, regresa a su casa y encuentra a Helen visionando horrorizada sus películas. Mark le confiesa que la cosa más terrorífica del mundo es su propio miedo reflejado en la lente de la cámara, pero no la asesina. En cambio, filma su propia muerte mientras llega la policía.

En el proceso de gestación de la película Michael Powell (director del film) y Leo Marks (el guionista) querían realizar una película sobre el espionaje, pero un día Marks sugirió la idea y Powell la aceptó con entusiasmo. Pero cuando el guión estuvo finalizado Powell no consiguió a los actores que ansiaba y el productor se desentendió de la película. Tras eso Powell se hizo cargo de los gastos económicos del filme y la película estuvo terminada en un breve periodo de tiempo.

Michael Powell

Calificada por algunos críticos en el momento de su estreno como una película “repulsiva”, El fotógrafo del pánico estuvo a punto se suponer la ruina de su director, Michael Powell (que, realiza un pequeño papel en el filme interpretando al padre de Mark). El no menos que ridículo alboroto de la santurrona critica británica de la época se debió a la crudeza, el sadismo y la misoginia que desprenden las acciones del protagonista de la historia, a pesar de no contener ni una gota de sangre. Se podría decir que a los críticos no les agrado que se les enseñase el día a día de un director de cine tan cruel como ningún otro, un devoto autor de las llamadas “snuff movies”.

La versión presentada por Martin Scorsese

Sólo más de 30 años después, cuando Martin Scorsese llamó la atención sobre ella, de forma explícita -ya lo había hecho de otro modo al imitar exactamente su plano inicial en Malas calles (1973)-, el público y los estudiosos de todo el mundo reconocieron no sólo su carácter de película “seminal” dentro del género terrorífico (por su concepción moderna del psicópata), sino también la importante reflexión que alberga sobre el propio cine y la mirada .

Inevitablemente es, una reflexión sobre el papel de la mirada y el ojo en el contexto cinematográfico termina siendo también una reflexión sobre el propio medio de expresión y la pasividad del espectador respecto a él, así como una singular vuelta de tuerca al profundo origen del miedo, que en este caso se convierte en el auténtico resorte de la ficción.

Bohem interpreta a un psicópata que fotografía a sus víctimas mientras mueren, un fotógrafo poseído por la alucinación y marcado por su infancia. Su padre, un científico obsesionado por estudiar las reacciones infantiles ante el miedo, destrozó su psiquis y le convirtió en un adulto acomplejado y afectado por una demencia demoníaca.

El personaje necesita matar y fijar en imágenes el terror que sienten sus víctimas. Por eso ejerce la profesión de fotógrafo, para encubrir sus planes y poder satisfacer sus afanes morbosos sin suscitar sospechas.

El autentico Peeping Tom

Peeping Tom -título original de la película- (Peeping Tom, significa literalmente “mirón” debido al mito de Tom el sastre, que ovservó cabalgar desnuda a Lady Godiva y posteriormente recibió su castigo) es una de la mejores obras del gran cineasta británico Michael Powell, una película adelantada a su tiempo, cuyas influencias llegan a filmes como la extraordinaria rareza del cine español llamada Arrebato de Iván Zulueta o la maravillosa Blow-Up de Antonioni.

Habla del poder depredador de las imágenes cinematográficas, y todo cinéfilo ha de andarse con cuidado con esta maravilla si no quiere resultar vampirizado por ella.

Un primer plano de un ojo abierto de par en par: el del protagonista.
Una prostituta ante un escaparate y en una calle vacía. Un hombre se acerca con una cámara oculta bajo su abrigo. La prostituta camina y el hombre la sigue sin mediar palabra. 

Llegan al domicilio de la fulana. Ella se desviste. Él observa. La sigue filmando. Ella cree que será un aburrido polvo como tantos y tantos otros, pero algo ocurre: su cara se descompone y grita aterrorizada. Y Michael Powell, nos obliga a ser partícipes al situarnos en el punto de vista subjetivo del asesino que maneja la cámara, viendo lo que él ve mientras rueda.

Nuestro hombre ha convertido la experiencia en una película, en un documental sobre el miedo. Está viendo el producto de su filmación en la sala de proyección de su casa. Ha inmortalizado el miedo real, el auténtico, a través de un objetivo que filma la muerte en directo.

Así, con este arranque tan poderoso, comienza El fotógrafo del pánico, una película sobre la fascinación del voyeurismo desde una perspectiva esquinada, enfermiza, que no se resigna a la ficción, a lo impostado, sino a la autenticidad del horror puro (¿y antecedente de las “snuff movies”?).

Mark Lewis (Carl Boehm) es un hombre tímido, apocado y aparentemente inofensivo. Sólo parece poder expresarse mediante el objetivo de una cámara que no abandona. Incluso parece llevar a cabo un coito metafórico con la chica del labio deforme cuando ella se sitúa, por primera vez, ante una cámara.

Hace uso de la realidad para dirigir sus propias películas, captando emociones verdaderas: las reacciones de sus víctimas en los instantes previos a morir. En comparación al director en cuyos rodajes trabaja Mark, nuestro querido psicópata llega lo más lejos posible. Mark no se desespera ante la falsedad de los intérpretes por la sencilla razón de que su método consiste en someter a los “actores” de su documental a la experiencia de saber que su vida se extingue. La mayor perversión que uno pueda rodar.

La escena donde Mark muestra imágenes de su infancia, rodadas por su padre, a la chica del piso de abajo y la secuencia en la que una actriz que ejerce de doble nos brinda un baile (la pelí­cual se transforma, por unos instantes, en un musical) como antesala de su muerte en directo son, junto al prólogo, los grandes y más enérgicos momentos de esta espléndida “cult movie” de vivos y expresivos colores (tremenda fotografía de Otto Heller) que trata sobre los mecanismos de la imagen y del mirón.

Michael Powell y Otto Heller

Espléndida película sin lugar a dudas, que gira en torno a las obsesiones y desequilibrios de un personaje capaz de atormentarnos con sensaciones similares a la vida real.

Michael Powell

La cámara se transforma en muchos momentos en el protagonista, descubierto desde el primer minutos de película. Nuestro personaje, atormentado desde pequeño por su padre científico que experimentaba con su hijo, los diferentes comportamientos que el miedo como tal nos produce. Ya desde pequeño Mark, ve su vida interrumpida y sesgada por el comportamiento de su padre, fascinado al igual que él más tarde, en el uso de la cámara como medio de vida y desarrollo.

Michael Powell y su hijo Columbus

Una cosa es bien cierta todos somos mirones, y nos recreamos en ello. El morbo que produce pasear la mirada y observar las diferentes sensaciones que produce “el miedo” sobre todo “el miedo”. ¿Por qué nos atrae tanto? El miedo es el vehículo conductor de ésta película, de importancia capital dentro del género de terror.

Michael Powell durante el rodaje

Mark capta el miedo con su cámara, que son sus ojos, como una flaqueza, como le enseñó su padre, el miedo que atenaza a sus víctimas tiene como objetivo ser eliminado. La multitud de sensaciones que produce ese miedo a Mark, contemplando como tal el orgasmo producido por las imágenes de miedo que contempla en su estudio.

La niñez en la que se ve estancado el personaje de Mark, recordemos detalles como el tener leche únicamente como bebida en su casa, o el entusiasmo que demuestra con la idea de los cuentos infantiles y su cámara mágica, definen a un personaje como a un niño, solamente un niño maltratado por su padre, huérfano de madre y torturado con su muerte e imágenes.

La película guarda parecido con clásicos del género de la obsesión, como Repulsión de Polanski, El estrangulador de Boston de Fleisher o alguna de las películas de De Palma de sus inicios como Vestida para matar.

Una película de culto que, no debería ser concebida como visualmente simple.

En dicha cinta, el director inglés aplica con destreza todos los conocimientos cinematográficos adquiridos a lo largo de su carrera. Y no sólo perfecciona su técnica, sino que abandona o integra parte de las coordenadas que marcaron su filmografía. Así, de su etapa inicial en que, de la mano de Pressburger, sigue los ejes marcados por el resto de cineastas británicos, lega un vestigio mí­nimo a Peeping Tom. La tradición literaria y teatral inglesa, únicamente sobreviven en forma de narración romántica; tal como ha hecho a lo largo de su filmografía, tendiendo a mezclar romanticismo literario con expresionismo cinematográfico (analogía aún evidente en este filme en escenas como las que abren la cinta, la intermitente fotografía tenebrista, o sus continuos asesinatos sombríos… que probablemente evoquen al espectador algunos de los fotogramas de Nosferatu o M, el vampiro de Düsseldorf ).

De la misma manera, el autor continúa haciendo gala de su excelente dominio del rodaje en estudio, ya anunciado en Narciso negro, así como de la incursión musical como generador de ambientes, la exaltación del color, o el movimiento interno con que dota a cada plano… Aunque, de entre todas estas características, probablemente, la que ayude, en mayor grado, a conferir a la cinta la categoría de obra maestra es la inmejorable aplicación del llamado realismo psicológico.

Peeping Tom acaba siendo un análisis psicológico de tal magnitud que convierte al filme en un relato visionario, deviniendo, inevitablemente, una de las películas precursoras de la postmodernidad. Así, Peeping Tom, heredando conceptos de La ventana indiscreta, vaticina dos de las nociones fundamentales de la teoría psicoanalítica (voyeurismo y economía del deseo); al mismo tiempo que relaciona, a modo de silogismos, una infinidad de temas propios de la cultura y el arte postmoderno.

Y, aunque el voyeurismo ya había sido un tema ampliamente tratado, tanto en pintura como en literatura, desde Schiele a Carroll; tendríamos que esperar hasta la llegada de La ventana indiscreta, Peeping Tom, y la coetánea Psicosis, para conocer la aplicación de dicho concepto al lenguaje cinematográfico. Pues, aunque Rossellini y Renoir ya hubiesen profundizado en el estudio de la mirada, tanto Powell como Hitchcock, lo harán relacionándola con la propia naturaleza del cine (utilizando la escopofilia como vía de reflexión sobre la postura del espectador).

Así, Peeping Tom nos presenta el cine como un modelo que permite proyectar los fantasmas del espectador y sublimar sus deseos. Pero, va más allá aún, y conecta al objeto con el público. Aunque la pantalla le permita proyectar sus fantasmas internos, hay un aspecto que se le escapa: cómo ésos van a evolucionar. Por tanto, el espectador ya no sólo ve sus propios fantasmas, sino que, además, no puede controlarlos, impotencia que obviamente le genera una reacción. Y es esa dialéctica la que interesa a Powell (y a Mark, el protagonista del filme): cómo una persona, que actúa de autovoyeur, reacciona frente a la proyección de un fantasma interno como es la muerte, su propia muerte, ante la cual es incapaz de actuar, y dominar (tal como sucede al espectador con la pantalla).

Powell intentará reflejar dicho diálogo a partir del lenguaje rosselliniano; aunque, en algún caso, se intercalen planos similares a los que Renoir utilizaba para mirar, con la misma lubricidad con que lo hace Powell, a las chicas de Un día en el campo.

Nos habla, por tanto, de la mirada, del voyeur, del espectador, mostrando cómo se expresa ante lo que ve pero no qué es lo que ve (pues de hecho, no se sabe hasta el final del filme). Y sin duda, la reflexión sobre esta actitud vive su cenit cuando Mark decide no matar a la mujer invidente porque de nada le serviría grabarla, pues no puede reaccionar contra su propio rostro mientras muere, al mismo tiempo que es incapaz de crear esa ficción. Y, sirviéndose de este personaje, Powell plantea dos nuevas reflexiones. Por una parte, la obstinación de registrar lo imposible; y por otra, la concepción artesanal del cine, creando una equivalencia entre su cámara y las manos de la invidente, plano al que posteriormente Bergman parece rendir homenaje en Persona.

Pero, Peeping Tom plantea muchos más temas, a menudo presagiados por Mark, eje central del filme y generador de la mayoría de esos silogismos. El protagonista pretende realizar un documental que continúe los estudios escopofílicos iniciados por su padre. Se trata de una obsesión que le lleva a buscar, desesperadamente, algo inalcanzable como es la reproducción de la expresión del miedo. Pretende, por tanto, plasmar lo irreflejable, concepto que augurado ya anteriormente por Dreyer, conecta directamente con la cinematografía moderna.

Pero probablemente, una de las cuestiones que hace de esta obra una de las películas más enigmáticas que nos ha dado el cine, es su involuntario, pero igualmente transgresor, carácter pornográfico. En este filme, la cámara de Mark ha cobrado la misma importancia y protagonismo que tienen los objetos en los filmes de Borowczyk. Y la relación tan estrecha entre ser humano y objeto, hasta el punto de concebirse como prolongaciones del cuerpo (como pasa en cada una de las cintas del director polaco), es el mejor ejemplo para entender la función que realmente desempeña la cámara de Mark Lewis. Por consiguiente, en este caso, no sirve hablar de reminiscencia de un símbolo fálico, sino que claramente actúa como su miembro a la hora de violar a sus víctimas.

Sin lugar a dudas, ejemplos como el de esta última afirmación han servido a diversos teóricos para estudiar la antagónica dualidad entre eros-thanatos: sexo y muerte; llegando a la conclusión de que la combinación de la sexualidad y la violencia recibe su materialización, a nivel, cinematográfico, en la llamada “snuff-movie”. De manera que no sería un error definir esta película como un auténtico precedente de la snuff-movies; siendo la pornografía sadomasoquista su factible antesala, y a menudo el camino hacia ella.

Michael Powell y Pamela Green

¿O quizá es casualidad que James Wood, el protagonista de Videodrome (D. Cronenberg) descubra un canal dónde se alterne la emisión de películas de pornografía sadomasoquista con muestras de “snuff-movies?”… Que cada uno valore su respuesta…

El camarógrafo Mark Lewis tiene una curiosa obsesión, filmar rostros, pero en su peligrosa pasión voyeur por captar solo expresiones y emociones verídicas, el extraño joven intenta inmortalizar en celuloide los rostros aterrorizados de inocentes mujeres que ven como único remedio gritar en los últimos segundos de vida que les quedan.

Una de esas películas que los cinéfilos más vanguardistas catalogan de libre, atrevida y arriesgada. Lo que diferencia a esta interesante película de las posteriores  Arrebato y Blow-Up, es lo siguiente: un guión coherente que da una explicación sin apenas fisuras de la turbulenta obsesión del protagonista sin renunciar a múltiples referencias hitchcockianas de eficacia más que demostrada -en el manejo del suspense, en la figura perturbadora de la madre, en el voyeurismo, en el asesinato y su investigación, en un sentido del humor sarcástico…-; unos actores principales -Carl Boehm y Anna Massey- que hacen un trabajo inmenso,

prácticamente desconocidos para el gran público, logran en el filme la que probablemente sea la interpretación de sus vidas,

transmiten una relación de amor delicada, oscura, ambigua, cambiante, impredecible, de desenlace incierto.

Michael Powell, Carl Boehm, Anna Massey y Columbus

Sin duda el principal logro del filme es su importante reflexión acerca de la mirada, ya que todo el filme gira en torno a la mirada, Mark lo que quiere es ver con sus ojos la expresión de horror auténtico en los ojos de las chicas.

Otro de los logros del filme es que sirve como precedente, quizá sin quererlo, de las hoy famosas “snuff movies”, pues Mark graba con su cámara cada uno de los asesinatos con la finalidad de rodar un documental.

Otro punto importante en el filme es la inclusión de un personaje ciego, el de la madre de Helen, que vendría a ser una especie de excepción de la naturaleza y por ello es capaz de reconocer a un semejante, pero su ceguera le impide observar las hipnóticas imágenes rodadas por Mark, por lo que su intuición se queda solo en eso.

De visionado obligatorio para todo aquél que guste del buen cine y de las historias de serial killers.

Veo, veo

PANTALLA DE SANGRE UN POCO DE HISTORIA

CINE PARA PASARLO DE MIEDO

UN POCO DE HISTORIA

 La puerta de la trastienda se abre silenciosamente y por ella se introducen los dos niños que, vendidos por la curiosidad, desoyen la prohibición paterna.

 Ante ellos tienen ahora a su madre, embutida en un delantal de cuero negro, chorreando de sangre, con los brazos introducidos hasta el codo en el vientre de un venado, extrayendo del interior las vísceras que corta con un gran cuchillo de carnicero. El pequeño Henry huye aterrado, pero su hermano permanece de pie fascinado.

 

16 de noviembre de 1957. El sheriff de Planfield, Wisconsin decide registrar la granja de los Gein, deseando encontrar alguna evidencia que le permita aclarar la extraña desaparición de Bernice Worden, la propietaria de la tienda de ultramarinos local, a la que nadie ha visto desde la mañana. La única pista con la que cuenta es que varios vecinos vieron un par de veces la camioneta de Ed Gein aparcada frente a la tienda.

 Ed es el único miembro vivo de la familia Gein. Su madre, una mujer posesiva obsesionada con la degeneración moral del resto del pueblo, había muerto hacía ya 12 años, perturbada por la muerte de su otro hijo -Henry- el año anterior,ocurrida por asfixia mientras quemaba rastrojos con Ed. El que Henry apareciera con el cráneo aplastado fue algo a lo que nadie le dio importancia entonces. 

 

Causó mayor trastorno en el pequeño pueblo el que desapareciera hasta media docena de personas sin dejar rastro alguno. Pero al bueno de Ed Gein, un solterón de 51 años cuyas únicas amistades en el pueblo eran las mujeres de edad avanzada, nada parecía importarle.

 Recluido en su granja, solo iba al pueblo para abasrecerse en la tienda de la señora Worden o para hechar una mano a algún vecino con lo cual sacarse algún dinero. Así los habitantes de Planfield consideraban a Ed un hombre tímido amable con los niños y poco amigo de bares y diversiones. Pero el sheriff essolamente la última persona que vio viva a Bernice Worden.

 

Son las ocho de la noche cuando varios agentes de policía entran en el cobertizo. Las linternas ampiezan a temblar cuando bajo su luz aparece el cuerpo de una mujer, suspendido del techo por los tobillos, con un gran tajo desde lapelvis hasta el esternón, sin cabeza y despojado de vísceras, como si fuera una res en el matadero. El posterior registro de la vivienda revela una espeluznante escena de horror: el corazón de la señora Worden aparece en una cazuela, sus entrañas envueltas en papel de periódico sobre la mesa de la cocinajunto a la parte superior de un cráneo utilizado como plato sopero y, finalmente, su cabeza dentro de una bolsa de plástico, con las uñas de sus pulgares atadas a las orejas, como si fuera a ser tendida para secar. A la mañana siguiente aparecen otras cosas no menos curiosas: sillas tapizadas con piel humana, dos cráneos utilizados como remate de las patas de la cama, una lámpara y una papelera hechos de piel, un cuchillo con mango de hueso humano y variascalaveras más. Coleccionadas en cajas de zapatos, aparecen ocho vaginas disecadas (excepto la última adquisición), una de ellas pintada de color plateado, cuatro narices, varios pares de labios y un completo surtido de retales faciales. Colgadas de la pared hay cuatro máscaras resultantes de arrancar la piel de un cráneo, puestas a secar. Otras cinco están repartidas por la habitación, ya disecadas, con cabellos cuidadosamente añadidos, e incluso algunas con los labios pintados. La lista de artículos de la factoría Gein no parece tener fin: pantalones de cuero (¡humano!), un delantal hecho con el torso de una mujer, infinidad de huesos, miembros genitales, pechos femeninos...

 La capacidad de sorpresa de la sociedad bienpensante de los Estados Unidos se vio desbordada hasta límites insospechados: las posteiores confesiones de Ed Gein fueron el punto final a una convivencia relajada. El relato de cómo aquel vecino tímido visitaba los cementerios y profanaba las tumbas para añadir nuevos "gadjets" a sus colecciones, aunque nunca llegara a perpetrar actos de necrofilia "olían muy mal", declaró y bailaba a la luz de la luna disfrazado con la piel de sus víctimas, cortó la digestión de más de uno. Como la cortó a varios de los vecinos que tuvieron que ser hospitalizados por disfunciones gástricas después de que el bueno de Eddie revelara cual era la procedencia de aquellos botes de carne "de venado" en conserva con los que gustaba obsequiarles.

 Las autoriades decidieron, en su infiníta sabiduría, que Ed Gein no estaba en condiciones de ser sometido a juicio, por lo que lo internaron de por vida en varios centros psquiátricos, donde siempre destacó como paciente modelo. 

Murió en junio de 1984.

 

Ed Gein no ha sido, ni mucho menos, el "mejor" asesino del siglo, ni en cantidad -se estima que no mató a más de seis personas- ni en calidad -sus atrocidades han sido superadas por otros, auténticos estetas del crimen. La importancia de Ed Gein radica en el impacto que causó su figura en la sociedad burguesa de la época, en la sacudida brutal de los cimientos de la América profunda y en el camino que abrió, a golpes de cuchillo, en los senderos de la imaginación literaria y cinematográfica.

  Originariamente la historia de Ed Gein sirvió de inspiración al relato de Robert Blosh "Psicho", utilizado por Hitchcock para crear una de las obras maestras del cine de terror: PSICHO (60). Esta cinta dio lugar, a su vez, a infinidad de imitaciones entre las que se puede destacar HOMICIDAL (61), de William Castle, SCREAM OF FEAR (61), MANIAC (61), PARANOIC (63), estas tres del británico Freddie Francis, quien más tarde realizaría PSICOPATH, a partir de otro guión de Robert Bloch. PSICHO, tuvo tres secuelas directas: PSICHO 2,en la que Anthony Perkins retomaba el papel de Norman Bates, PSICHO 3, en la que incluso se atrevió a tomar las riendas de la dirección, y PSICHO 4, en la que se exploraba la infancia y juventud del personaje. Todas ellas confirman aquello de "segundas partes nunca fueron buenas", ya que, salvo algunas escenas dotadas de un particular humor, son francamente soporíferas. En 1987se rodó el episodio piloto de una serie televisiva, BATES MOTEL, pero la decadencia de la saga, unida a la aparición de nuevos y mejores "killers" de la pantalla, hizo desaconsejable su continuación.

  En 1974 Bob Clark dirigió una versión más rigurosa de las proezas de Gein: DERANGED, con guión de Alan Ormsby y la construcción de los cadáveres y demás artículos a cuenta de Tom Savini. Una obra maestra llena de emoción, capaz de sumergir al espectador en el verdadero mundo del carnicero de Wisconsin.

  Ese mismo año apareció otro clásico (seguramente "el clásico"): la legendaria TEXAS CHAINSAW MASSACRE, de Tobe Hooper. Aunque Gein nunca utilizó para sus trabajos una sierra mecánica, las referencias son evidentes: la máscara humana de Leatherface, la momificación de los venerados ancestros, incluso la decoración de la casa al más puro Gein-Style, todos ellos elementos que fueron utilizados en las dos secuelas del clásico, auténticos "tour-de-force" del horror.

  Otros films influenciados por la tanatotecnia son la serie VIERNES 13 (creo que ya va por el capítulo 11), con el enmascarado Jason y la cabeza disecada de su mamá -¡como!, ¿se me había olvidado?: el bueno de Ed Gein recuperó a su progenitora de la tierra y la instaló en su dormitorio, a modo de reliquia-, DEATH TRAP (aka. EATEN ALIVE), de nuevo de Tobe Hooper y con un Robert Englund joven y macarra, o MOTEL HELL, de Kevin Connor. Recuperan la figura del solitario elaborador de escabeches y patés de alto contenido en colesterol, aunque su visionado solo es recomendable para completistas, "gourmets" sofisticados o adictos a Antena 3.

Y no seria hasta el año 2000 y la llegada del nuevo milenio que se rodara la que para mi es la mejor y mas rigurosa version de la vida y milagros de Ed Gein, del mismo nombre y dirigida por Chuck Parello es co mucho la mas fiel a la histora.

 EL DOCTOR Y LOS CORDEROS.



  Otra película inspirada en la historia turbia de Ed Gein es la oscarizada SILENCE OF THE LAMBS de Johathan Deme y su secuela largamente esperada Pero decepcionante HANNIBAL dirijida por Ridley Scoht; el mismo Thomas Harris, autor de la novela, ha declarado repetidas veces que el padre puta-tivo de Buffalo Bill y su vestidito de piel de jovencita no es otro que nuestro chico de Wisconsin (no olvidemos la primera adaptación cinematográfica de la obra de Harris, la modesta pero eficaz MANHUNTER, dirigida en 1986 por el inefable Michael Mann).

  Pero la influencia más reciente en la obra de harris y su posterior y exitosísima versión de Jonatthan Demme proviene de otro norteamericano ilustre: Ted Bundy. Procedente de una familia de posición elevada del estado de Washington, condecorado dos veces por su valor en Vietnam, graduado con matrícula de honoren psicología criminal y estudiante de derecho con una brillante carrera política ante sí, confesó haber asesinado a más de cien muchachas después de violarlas y apalearlas. La prueba definitiva que le condenó fue la señal del mordisco que le propinó a una de sus víctimas en las nalgas durante prácticas necrofílicas con su cadaver. Ted Bundy fue ejecutado en 1988. La película THE DELIBERATE STRANGER, basada en su vida y milagros, parece que nunca llegó a gustarle del todo, una adapatacion mas reciente es UNEXTRAÑO JUNTO A Mí que tiene como dato interesante que esta relatada desde el punto de vista de una de sus novias.

  También en la figura de Hannibal Lecter, el otro personaje importante de la obra de Harris/Demme, podemos vislumbrar referencias interesantes.

 Si bien su capacidad olfativa y pedantería son cosecha propia, las tendencias homicidas en la figura honorable de un doctor en medicina no es nuevo bajo el sol. En 1910, el Dr. Hawley Crippen mató a su mujer, la deshuesó y enterró en cal viva bajo el sótano de su hogar, dulce hogar. Veinticinco años más tarde,el Dr. Ruxton denunció ladesaparición de su esposa y de su criada, cuyos cuerpos aparecieron más tarde descuartizados y despojados de cualquier elemento que hiciera posible su identificación.

A finales de 1944, las extrañas humaredas que salían de la casa del Dr. Marcel Petiot, en pleno París, fueron los primeros indicios que condujeron a la detención del que luego confesó haber matado lentamente y desmenbrado a más de setenta personas, aprovechandolos fragores de la segunda guerra mundial. Su vida y su abundante obra han sido llevadas al cine en la muy interesante en EL CASO DEL DR. PETIOT.


LOS CLASICOS DE SIEMPRE

En todas las materias hay siempre unos orígenes y unos nombres pioneros. Sin duda, uno de nuestros personages más legendarios y versionados, tanto en literatura (el mismo Robert Bloch lo immortalizó repetidas veces) como en cine y televisión es el victoriano Jack el Destripador. Aunque la policía le acusó formalmente del asesinato de sólo 5 prostitutas, posteriores estudios barajan la posibilidad de un total de hasta 14 víctimas, escogidos lienzos para plasmar una particular teoría de limpieza social con cuchillos en lugar de pinceles, elaborados desde el más absoluto anonimato. De entre la ingente filmografía destacan THE LODGER, JACK THE RIPPER, de Jesús Franco y con Klaus Kinski, y la serie televisiva grabada en 1989 con Michael Caine para commemorar el centenario del mito, y al mismo tiempo tratar de aclarar la identidad del carnicero deWhitechapel, sin llegar a lograrlo. No podemos alvidar tampoco la nada desdeñable, y en ocasiones apasionante, ASESINATO POR DECRETO (79), de Bob Clarck un intento curioso de involucrar en el caso a la mismísima realeza inglesa, como haria posterior mente la cinta FROM HELL, dirigida por Albert Hughes y basada en la novela grafica omonima de Alan Moore.

  La impunidad con la que actuó el destripador y el cinismo del que hacía gala en sus comunicaciones con la policía (llegó a enviar medio riñón humano al jefe de los investigadores después de freírse para cenar la otra mitad), sonconstantes que reaparecen más tarde, en 1968, cuando un desconocido autodenominado Zodiac se atribuyó un total de 37 muertes en San Francisco. Tras cada asesinato, enviaba cartas a la policía y a los periódicos relatando sus esperiencias, la dramatización de sus andanzas realizada por David Fincher (ya curtido en estas lides con su inquietante SEVEN) en el 2007 lo relata de una manera seca pero llena de emoción , al igual que el británico Peter Sutcliffe, "el destripador de Yorkshire", quien también usaba el teléfono para hacer declaraciones sustanciosas. Sutcliffe fue identificado gracias a las huellas de sus mordiscos en los cuerpos mutilados de sus víctimas, detenido por casualidad y acusado de sietetentativas y trece asesinatos. El caso sirvio de inspiración a la película LLAMADA A UN REPORTERO, de Philip Borsos, en la que el homicida utilizaba a un periodista (Kurt Russell) para alcanzar la fama y sembrar el terror).

  Pero no todos los asesinos han tenido que recurrir a los medios de comunicación para hacerse un nombre. Tal es el caso de Henri Desiré Landrú, alias "Barba Azul", quien entre 1915 y 1918 mató y quemó en el horno de su villa deGambais, en París a un mínimo de diez mujeres con el nada despreciable objeto de quedarse con sus bienes. La prensa fue, en este caso, la que tomó la decisión de darle publicidad, quizás para desviar la atención de la guerra, ytanto su juicio como su ejecución fueron seguidos con sumo interés por toda la sociedad. En 1965, Francois Sagan escribió un guión basado en la vida de estepersonaje, que fue dirigido ese mismo año por Claude Chabrol con el título de LANDRÚ (62). Otras adaptaciones menos interesantes fueron BARBA AZUL (51), deCristian Jaque, intento de desmitificación en clave de comedia, o de nuevo BARBA AZUL (72), Edward Dwytryck, con Richard Burton en el papel estelar y una
cámara frigorífica sustituyendo al horno originario y como olvidar ese proyecto originariamente de Orson Welles que fue literalmente robado por Charles Chaplin, la genial MONSIEUR VERDUX (47) con su memorable secuencia del juicio. 

  Otro clasico del crimen es Peter Kurten, alias "El Vampiro de Dusseldorf", que desarrolló su actividad a lo largo de los años 20 y acabó detenido por apuñalar y desangrar a decenas de mujeres y niños. Fritz Lang lo utilizó comomodelo para su asesino psicópata en M (31), obra maestra absoluta del cine universal con un delicioso Peter Lorre huyendo de la policía y los vagabundos.

  En la misma época, un compatriota de Kurten, Fritz Haarmann (el llamado "Ogro de Hannover"). fue acusado de vender en su carnicería los restos de sus víctimas generalmente muchachos de entre doce y dieciocho años a los cualesdescuartizaba y deshuesaba después de destrozarles la garganta de un certero mordísco. Se le juzgó por la muerte de 27 jóvenes, si bien él estimaba el número de sus víctimas en no inferior a 50. Solicitó para sí mismo la pena de muerte, a lo cual el tribunal accedió gustoso, siendo guillotinado en 1924. Sus crímenes y su intensa historia de amor homosexual con su cómplice HansGrans, condenado a cadena perpetua, dio lugar a la excelente y sórdida THE TENDRESS OF WOLVES (73), dirigida por el irregular Ulli Lommel y producida (aparece incluso en un papel) por R. W. Fassbiender. Ya en clave de comedia, también el italiano Guido Zurli adaptó la historia de Haarmann en suIL STRANGOLATORE DI VIENA (71), con el ultra-voluminoso Victor Buono en el papel estelar.

LAS DOS CARAS DEL HORROR

Se ha visto hasta ahora que el asesino protípico, siguiendo el principio de la esquizofrenia psicopática, suele ocultar sus tendencias homicidas bajo unaapariencia respetable, discreta e incluso vulgar, como un vecino amable al que nadie consideraría capaz de matar a una mosca. El caso de John Christie es paradigmático. Un hombre de 50 años, más bien pequeño, de aspecto insignificantemiope y siempre preocupado por la raya de su pantalón y su honor, hizo creer a un vecino que las muertes de su esposa e hija las había causado él mismo por la desidia con la que las trataba. El atormentado vecino se dio a la fuga y acabó entregándose a las autoridades. Intentó en vano culpar a Christie de las muertes, ya que éste actuó incluso como testigo de cargo de la acusación, y fue ahorcado en 1950. Dos años más tarde, el respetable Christie comunicó al vecindario que iba a mudarse con su mujer a una casa de campo. Es fácil imaginar el susto que se llevó el nuevo inquilino cuando, al hacer reformas, encontró otros tres cuerpos repartidos entre el suelo de la casa y el jardín, con lo cual Mr. Christie pasó a ser el hombre más buscado del Reino Unido. Detenido mientras paseaba junto al Támesis por un "bobby" en ronda nocturna, reconoció haber matado a su esposa "me despertaba todas las noches y no me dejaba dormir", declaró pero dijo no recordar nada del resto de las mujeres ni de la familia de su vecino. Tras su ejecución en 1953, se abrió un intenso debate sobre la pena capital en la sociedad británica, consciente de haber ahorcado aun inocente, Timothy Evans, en lugar de Christie. Richard Fleisher retomaría todos estos hechos en su obra maestra 10 RILLINGTON PLACE (71), en la que incluso consiguió establecer una ambigua complicidad entre el espectador y el personaje entrañable de Chirstie gracias a una mas que soberbia interpretación del gran Richard Attenborough.

  Pero el caso más escandaloso de personalidad doble lo protagonizó el norteamericano John Wyne Gacy a finales de los años 70. Contratista de obras públicas, de eleveda posición social, era muy apreciado por sus vecinos por su grandedicación a sus semejantes, en especial hacia los muchachos enfermos. En sus ratos libres se vestía de payaso y actuaba en todos los festivales benéficosque requerían sus servicios, usando el nombre artístico de Payaso Pogo. Llegó a actuar incluso para la entonces primera dama de los Estados Unidos, Rosalyn Carter. La policía encontró enterrados en su sótano 33 cuerpos de adoslecentesde los cuales había abusado sexualmente, y tras un largo y doloroso juicio fue condenado a la pena capital. La prensa lo apodó "The killer Klown" (léase "El payaso asesino") y su historia ha generado toda corriente cinematográfica en torno a la figura del clown psicópata (IT, CLOWN HOUSE).

OTROS CASOS Y LEYENDAS

1947: el cadáver mutilado de Elizabeth Short, apodada "La Dalia Negra" por su particular modo de vestir, aparece abandonado en los alrededores de Hollywood. "Del muslo izquierdo le habían amputado un gran pedazo de forma triangular y tenía un corte ancho y largo desde el borde seccionado hasta el inicio del bello público. Los senos estaban cubiertos de quemaduras producidas por cigarrillos; al derecho sólo le unían al torso unos hilachos de piel; el izquierdo aparecía con un enorme corte circular rodeando el pezón. En cuanto al rostro, la nariz había sido aplastada hasta confundirse con la cavidad facial; la boca por su parte estaba tajada de un extremo del oído al otro, confiriéndole una macabra sonrisa. Según el forense fue atada y torturada con un cuchillo durante dos días. De igual forma, sus piernas fueron rotas por una
especie de bate de béisbol, el mismo instrumento con el que después pudieron matarla, aunque tal vez su muerte se debió a la asfixia provocada por la sangre que fluyó de la herida de la boca". Un caso oscuro y siniestro que todavíahoy sigue sin estar resuelto y que ha dado lugar, también, a más de una adaptación cinematográfica, talvez una de las más notables de esas adaptaciones sea CONFESIONES VERDADERAS (81) que dirigida por Ulu Grosbard es un estupendo duelo interpretativo entre Robet Duvall y Robert De Niro.

  La lista de homicidas rescatados e inmortalizados por la industria resulta inacabable. Albert De Salvo mató a trece mujeres entre 1962 y 1965. Antes de morir asesinado en la cárcel en 1973, sus psiquiatras descubrieron que cada una de sus víctimas descubrieron que cada una de sus víctimas representaba para él la figura de su odiada madre, imagen que inevitablemente volvía a aparecer, por lo cual el pobre De Salvo debía recurrir de nuevo a sus peculiares habilidades manuales. La crónica de esta persecución sin fin es THE BOSTON STRANGLER (68), con Tony Curtis estrujando gaznates en una extraña pero hermosa mezcla de visiones subjetivas y panorámicas.

  La figura de la madre como trauma/causa de la patología se encuentra también en los orígenes de Henry Lee Lucas, autor confeso de la muerte de 360 personasmediante variados sistemas que van desde el disparo convencional hasta las crucifixiones en vivo. John McNaughton lo retrató sórdidamente en su celebrada y controvertida HENRY: PORTRAIT OF A SERIAL KILLER (86), que muy poco después calcaría Mark Blair en su CONFESSIONS OF A SERIAL KILLER (85), bajo los auspicios de Roger Corman.

  La extraordinaria SQUIZOFRENIA (83), del austriaco Gerald Kargl, reconstruye 24 horas en la vida de un psicópata convencido, basándose en un caso real y recreándose en los detalles más sordidos hasta lo insostenible. Prohibida hasta ahora y jamás estrenada en circuitos convencionales (se exhibió en el Mercado del Film de Cannes del 85), SQUIZOFRENIA se revela como una obra terrible y dolorosa, tal vez la más certera aproximación jamás filmada a los abismos de una mente enferma.

  Otro personaje curioso fue Charles Starkweather, alias "Perro loco". Rebelde sin causa ni demasiada inteligencia, tenía 19 años en 1957 cuando, junto a su novia Caril, de 14, asesinó a los padres de ésta porque desaprobaban su relación. Tras golpear a la hermana pequeña hasta la muerte, permanecieron en la casa un par de días y se dieron a la fuga con un coche robado. Hasta el momento de su detención, Starkweather se llevó por delante a una docena de personas. Fue juzgado y condenado a la silla eléctrica en junio de 1959, mientrassu novia era condenada a cadena perpetua a pesar de alegar en el juicio que ella no había sido más que un rehén. Un dato anecdótico: cuando Caril Fugate salió de la cárcel a finales de los 70, participó en el programa televisivo Lie Detector, el equivalente a nuestra Máquina de la Verdad, donde el polígrafo confirmó la veracidad de sus afirmaciones. BADLANDS (73), de Terence Malick es la más conocida versión de esta parejita, interpretada por los entonces semi desconocidos Martin Sheen y Sissy Spacek.  (acaparó la Concha de Oro en el festival de San Sebastián del 74), otras adaptaciones como THE SADIST (63), dirigida por James Landis y relatada en tiempo real (95 minutos), o Cry Baby Killer (58), de Roger Corman, con Jack Nicholson iniciando su carrera.

  Son casos representativos de artesanía unida a un impulso irreflenable, junto a una escasa visión comercial y, a menudo, un imperceptible coeficiente deinteligencia. Una combinación nada deseable que suele producirse también en los llamados "asesinos de masa", si bien tales fenómenos reúnen casi siempre una serie de ingredientes complementarios: una psique torturada (un veterano del Vietnam es ideal, pero cualquier fanático de Stallone sirve igual), un buen arsenal (a poder ser automáticas) y una hamburguesería (un supermercado también da buen resultado o un instituto de enseñanza media lo que hoy en dia es una triste moda). El precursor del sistema fue Charles Whitman, marine de excepcional puntería y estudiante de la Universidad de Austin, Texas, que una calurosa noche de agosto de 1966 mató a su mujer y a su madre de sendos disparos. Al día siguiente se subió al campanario de la universidad cargado con todo su arsenal y se lió a tiros con todo bicho viviente, matando a una docena de personas e hiriendo a más de una trentena, hasta que un policía chicano que pasaba por allí le vació un cargador en el cuerpo. TARGETS (68), de Peter Bognadovich, es la versión más fiel de su historia, aunque con la extraña divagación que supone el encuentro del francotirador con un actor de cine de terror en franca decadencia -el último papel de Boris Karloff-. Años más tarde, se realizó otra versión con Kurt Russell de protagonista y titulada apropiadamente THE DEADLY TOWER, aunque su proyección fue meramente televisiva (pese a no ser mala del todo).

Algunos aprendices de Whitman fueron: Howard Unruth, veterano de la Segunda Guerra Mundial que asesinó a 13 personas en Candem, Nueva Jersey, porque "creía que mis vecinos se reían de mí"; James Oliver Huberty, veterano del Vietnam que en 1984 terminó con 21 clientes de un McDonalds californiano,  Michael Ryan, furibundo admirador de Johny Rambo que en 1987 salió a las calles de la localidad inglesa de Hugerford y se llevó por delante a trece vecinos; finalmente y batiendo el récord mundial hasta la fecha, George Hennard, quien el día de su aniversario de 1990 (concretamente el 16 de octubre) entró a saco en una cafetería de Texas y mató a tiros a 23 personas, para después cambiarse la cabeza de sitio de un disparo sentado en la taza del water del mismo local.

Charles Whitman

MISTICA Y PSYCODELIA: LOS ILUMINADOS 

Hay casos opuestos, mentes iluminadas, frías, calculadoras, hombres que practican el egocentrismo más escandaloso y que son capaces de guiar a sus apóstoles hasta las más altas cotas del sadismo y la autoinmolación.
Jim Jones se dedicaba a vender peluches a domicilio hasta que un día tuvo una aparición divina y tomó los hábitos. Con el tiempo fue desarrollando entre sus acólitos un exagerado culto a su personalidad, estimulado por el uso de indiscriminado de anfetamínicos, y lo que en principio fue una congragación modesta, pronto llegó a convertirse en un grupo de presión política capaz de influir decisivamente en la elección del alcalde de la ciudad de San Francisco.

Megalómano confeso, su carisma exacerbado no pudo impedir los crecientes rumores acerca de prácticas sádicas en el seno de su templo, por lo que acabó abandonando California para fundar Jonestown, su propia ciudad en el corazón de la selva guyanesca. Allí, pudo por fín dar rienda suelta a todas sus locuras, institucionalizando los trabajos forzados y todo tipo de aberraciones sexuales. Sus extrañas actividades no tardaron en llamar la atención de las autoridades estadounidenses, que enviaron una delegación para investigar. El jefe de la delegación, el congresista Leo Ryan y todos sus acompañantes fueron masacrados por los robotizados discípulos de Jones, tal y como aparece en la filmación realizada por un reportero de televisión antes de ser abatido a tiros. Esto fue sólo el preludio de lo que había de acontecer. Acorralado por su paranoia, el reverendo Jones decretó el suicidio colectivo mediante veneno, acatando los fieles seguidores seguidores la decisión de su líder. Los indecisos fueron asesinados a tiros o forzados a ingerir el letal brebaje, con lo cual los supervivientes no alcanzaron la decena, de entre un total de más de novecientos hombres, mujeres y niños. Jones fue hallado muerto de un disparo en la cabeza y la investigación no pudo aclarar si se suicidó o fue ejecutado
por sus lugartenientes.

Pocos meses después de la tragedia vieron la luz tres producciones directamente inspiradas en las hazañas del reverendo. GUYANA TRAGEDY: THE STORY OF JIM JONES (80), filmada para televisión y con una duración de cuatro horas, fue emitida en dos partes, incluyendo imágenes reales cuya impresionante dureza la hizo muy popular. Destaca entre un elenco de estrellas televisivas la labor de Powers Boothe encarnando a Jones, que fue recompensada con el Emmy de aquel año al mejor actor. Menos suerte corrió GUYANA: CULT OF THE DAMNED, coproducción hispano-mejicana dirigida por el especialista René Cardona y titulada aquí GUYANA: EL CRIMEN DEL SIGLO, que no pasó de ser una "exploitationmovie" con el acartonado Stuart Whitman interpretando al capellán megalómano.
COMIDOS VIVOS, de Umberto Lenzi, se sitúa por méritos propios en el último puesto de la lista. Combinando la historia de Jones (aquí con la cara de Mel Ferrer) con los consabidos esquemas del cine de caníbales "made in Italy", Lenzi se supera a si mismo y se entrega sin contemplaciones al exceso barato y el absurdo más siniestro.

El caso de Charles Manson, considerado por algunos como la reencarnación del demonio y por otros como un auténtico genio iluminado, iba de nuevo a enlazar el horror más absoluto con el misticismo enloquecido de la época. Nacido en 1934, hijo de una prostituta alcohólica y padre desconocido, a los 16 años ya tenía antecedentes por asalto a mano armada, robo de automóviles, violaciones de homosexuales y otras sutilezas, gracias a lo cual vivió entre rejas 
casi 20 años.

Sharon Tate

Cuando tenía 34 salió de nuevo a la calle y se encontró con un mundo de paz, amor y entendimiento, el mundo de los "hippies" y el "flower power". Profundo conocedor del hipnotismo y diversas técnicas de control mental, pronto empezó a causar sensación entre las jóvenes californianas ávidas de nuevas sensaciones que se reunían a su alrededor para recibir revelaciones junto con grandes dosis de LSD y sexo liberador.

La Familia Manson

Este pintoresco grupo fue conocido como "la familia" y no había fiesta pretendidamente "in" en la que no estuvieran presentes. Pero además de a la animación cultural, "la familia"  Manson se dedicaba a otras actividades menos aceptables: las prácticas de misas negras y diversos ritos satánicos, a los cuales Manson era muy aficionado.

Y fue en uno de estos rituales donde empezó la historia: Gary Hinman, un músico "amateur" amigo del clan, murió tras ser torturado y degollado en su propia casa. En las paredes, escritas con sangre, aparecieron frases como "muerte a los cerdos" y "helter skelter", que formaban parte de unas curiosas teorías de Manson sobre el racismo y la xenofobia. Pocos días después, un miembro de la "familia", Robert Beausoleil, fue detenido y acusado del crimen. El resto
de la tribu, buscando el modo de liberarle, desarrolló el siguiente razonamiento: si se cometiesen otros crímenes similares mientras Beausoleil estaba en la cárcel, la policía no sospecharía de él. Y así el 9 de agosto de 1969, cuatro miembros de la "familia" Manson entraron en la casa de la actriz Sharon Tate (10.050, Cielo Drive, Hollywood), por aquel entonces casada con Roman Polanski, y la mutilaron y asesinaron junto con otras cuatro personas.

Sharon Tate

La noche siguiente asesinaría del mismo modo al matrimonio Labianca, cerca de la mansión Tate. Los crímenes siguieron el mismo patrón que la muerte de Hinman: sadismo sin límite la actriz estaba en aquellos días a punto de dar a luz y su vientre fue abierto en canal y "graffitis sangrantes con lemas psicodélicos. Manson fue condenado a muerte por inductor, ya que se sospechaba que ni siquiera estuvo presente, aunque la abolición de la pena capital en California le salvó a él y a sus acólitos de la cámara de gas, siendo conmutadas sus penas por cadena perpetua.

Susan Atkins, Patricia Krenwinkel, Leslie Van Houten

El histrionismo de Manson ha sobrevivido durante todo este tiempo, y ahora, casi con ochenta años, luce una cruz gamada en la frente y disfruta comunicándose con sus numerosos clubs de fans. La lista de films que ha inspirado podría llenar decenas de páginas, lo que nos obliga a la restricción selectiva: THE OTHER SIDE OF MADNESS (70), de Frank Howard, HELTER SKELTER, (76), dirigida por Tom Gries para televisión y probablemente la mejor de todas las visiones sobre el asalto a la mansión de Polanski, MULTIPLE MANIACS, de John Waters y con el mansonófilo declarado Divine, MANSON (72), documental dirigido por Lawrence Merrick, quien moriría asesinado, se cree que por seguidores del pequeño chiflado(es de muy baja estatura), MANSON´S FAMILY MOVIES (84), fictícia recopilación de las películas de caseras de la banda producida por Waters, SWEET SAVIOUR (70), con el surfista Troy Donahue como líder de una pandilla de asesinos alucinados, SIMON, KING OF THE WITCHES (71), de Andrew prime, THE DEATHMASTER (72), de Robert Quarry, y la demencial I DRINK YOUR BLOOD (1971), de Jerry Gross, que mezclaba sabiamente la locura del clan con zombis rabiosos en una orgía de"gore" desenfrenado. En la cúpula se situa el impresionante documental de Jim Van Beber MANSON SUPERSTAR, con entrevistas realizadas al verdadero Manson en su celda.

LA NUEVA GENERACIÓN

Jeffrey Dahmer

Existen senderos oscuros en la mente humana, rincones inhóspitos de los que nada sabemos. Pero que hay algo en ellos que nos atrae, un magnetismo secreto hacia los misterios de nuestra naturaleza, y el cine no cede en su empeño de recrear los casos más horribles. THE KILLING OF AMERICA (conocida aquí como ASESINANDO NORTEAMERICA) es ejemplar: documenta con innegable sobriedad las actividades de algunos de los más reputados matarifes del continente. Imágenes de archivo policial, fotografías de las víctimas, reconstrucciones de los hechos: todo un torbellino de horror no apto para sensibles.

Y la realidad no se detiene tampoco: a medio camino entre las figuras de Jim Jones y Charles Manson se sitúa el caso de los crímenes de rituales del rancho de Matamoros (México), donde niños y adoslecentes eran torturados hasta la muerte y devorados por una extraña secta dirigida por el narco Constanzo, de esta historia nuestro Alex De La Iglesia, rodó la infumable PERDITA DURANGO.

Nuevos autores y víctimas no dejan de irrumpir: Jeffrey Dahmer ("El Carnicero de Milwaukee"), Donald Leroy (violador asesino de más de 60 niñas), el aún extraño caso del estrangulador de niños de negros de Atlanta, el estudiante caníbal Issei Sagawa. Tal vez la justicia no lo haga, pero sin duda el cine se encargará de ellos para nuestro provecho moral e intelectual.

PSYCHOS MADE IN SPAIN

Como el inteligente lector habrá notado, no hay en este artículo referencia alguna a matarifes "made in Spain". La manera de justificar tamaña felonía es bien simple: en un país como el nuestro, donde los productores son gentes de probado desinterés artístico (que no económico), la práctica totalidad de las películas degen ser subvencionadas por organismos estatales, los cuales son, obviamente, poco dados a la agitación psicológica de la población. No es necesario recordar que no hace ni treinta años, la censura hispana era una de las más histriónicas y desaforadas de todo el orbe, firme defensora de los peremnes valores del nacionalismo cerril a ultranza. Así, no debe extrañar que el cine español haya sido reducido -en su mayor parte- a comedias madrileñas e historietas sobre la guerra civil, dejando de lado fuentes inspiratorias tan sabrosas como las ue pueblan el resto del mundo. Excepciones ha habido, de variada factura y diverso éxito taquillero, desde la excelente PASLCUAL DUARTE, basada en la obra del Nobel Cela, hasta la más reciente LOS INVITADOS, reconstrucción del caso real de la matanza de LOS GALINDOS un cortijo andaluz, pasando por la sensacinal TESIS de Alejandro Amenabar o el maravilloso film-documental de Gonzalo Herralde EL ASESINO DE PEDRALBES.

Más esta escasez de celuloide hispano centrado en la materia no debe hacernos creer que en este país no haya habido asesinos importantes. Como muestra, aquí van unos cuantos casos, algunos de los cuales han sabido dar a su peculiar arte una impronta típicamente celtibérica: Luisa Conill, casada y madre de dos hijos, que secuestró y asesinó a una niña de nueve meses en Canovelles (Barcelona) y que antes de ser detenida tuvo la desfatachez de dar el pésame a
los padres de su víctima, vecinos suyos; Eduardo Oliveras "El Viejo", mafioso frío y calculador que recuperaba el botín de los robos que cometían sus bandas haciendo asesinar a sus miembros, para luego ejecutar también a los verdugos; Julián Ugal Cuenca, hermanastro de "El Vaquilla", que en un par de años asesinó a sangre fría a 6 personas, por motivos varios y pintorescos y consiguió fugarse dos veces de la cárcel, siendo conocido en ambientes policiales como "El atracador Poeta"; José Antonio Rodriguez Vega, asesinó a un total de 16 ancianas en Santander, después de realizar en sus casa labores de albañolería; José Félix Gonzalez de la Haya, dibujante barcelonés que trabajaba para la revista TIME hasta que, llevado por su gran afición a las serpientes, amaestró varios ejemplares venenosos para matar a tres ex-amantes. Huelga recordar los casos de la masacre de Puerto Hurraco o el exorcismo salvaje de Almansa. Al fín, el más famoso entre todos, Manuel Delgado Villegas, alias "El Arropiero", exlegionario portador del doble cromosoma "XYY" (también conocido como el de la violencia) y con marcados problemas sexuales (ausencia del orgasmo pero no de deseo). Tras un largo historial delictivo, fue detenido por estrangular a su novia subnormal. Durante el interrogatorio, Manuel se atribuyó hasta un total de 30 crímenes, describiéndolos con todo lujo de detalles. Sus móviles no tenían desperdicio: desde "estaba demasiada gorda" hasta "empezó a insultarme", pasando por "quería ligar conmigo". Finiquitaba a sus víctimas con golpes de kárate (uno que el denominaba "tragantón" con el canto de la mano), a navajazos, a tiros o con pedruscos y ladrillos. Necrófilo confeso, su personalidad es tan compleja que compatibiliza sus crímenes con una ferviente admiración a Cantinflas, del cual conoce todas sus películas de memoria.